Siguiendo con la actualidad musical, ha llegado a mis manos el primer álbum como tal de This Town Needs Guns, una gente de Oxford muy interesante. Evitaré comentar mucho los títulos de los cortes, y diré simplemente que han conservado el nombre de trabajo, que eran de animales. Y así queda.
Lo que sí quiero comentar es la aportación que estos chicos hacen a la música. La voz, que tiene trazas de Ben Gibbard + Ben Folds (de hecho, podría ser el cuarto de The Bens), funciona. Pero lo que realmente me gusta es la guitarra. Los arreglos son brutales. Tim Collis tiene una técnica que es una fusión de banjo (Béla Fleck), guitarra rítmica de r'n'b y algunas cosas que he visto en bajistas de jazz y fusión (El Rabo del Ojo, Carles Benavent, Richard Bona). Y aun siendo complicado, parece que va a sentar cátedra en cuanto a arreglos para guitarra de rock. Lo único que no me gusta, es que en la mezcla final del disco han dado demasiado protagonismo a la guitarra.
En Baboons, entenderéis a qué me refiero.
Un grupo, en definitiva, más que interesante. Este mes de octubre el disco Animals lo publica Big Scary Monsters.
El sr. Ferreiro es un perfecto cuidador de sus fans y nos lo demuestra, poquísimo tiempo después de editar su último disco Mentiroso, Mentiroso con versiones en directo de las canciones de este LP, el cual tuvo en su web un tiempo en descarga gratuita.
El resultado del disco es bastante intimista, con esa atmósfera de sus conciertos, dónde la magia entre Iván y su público más se hace notar, haciendo crecer las canciones, con sus puntos de rabia y paz y sobre todo esa complicidad con la gente que le mira desde abajo embelesados y entregados hasta la última nota.
No hay ninguna canción de sus anteriores discos en solitario, no hay ninguna colaboracón especial, ni tan solo recuperar ningún éxito de Piratas y asume el riesgo de sacar al mercado un directo de su último disco aún a riesgo de lo poco vendible que eso pueda ser. Como los salmones, nadando a la contra, sino ya no seria él.
Mención aparte ese remate del disco con Rocco Sigfriedi en plan tranquilo y con piano y cuerdas que me parece una verdadera maravilla.
Aprovecho lo de videoclip, por no hablar de single, o porqué todavía no me he escuchado el disco demasiado, y temo hacer un juício precipitado. Lo que si sé, es que desde el viernes, no para de repetirse el riff de la intro de Wucan en mi cabeza.
A principio de este año, Jagjaguwar publicó el segundo álbum In The Future (cuarto trabajo, contando dos EPs), de Black Mountain. Los canadienses, que también han colaborado con gente como UNKLE, publicaron un disco más que redondo, en un entorno que muchos ya etiquetan (yo, es que soy fan de las etiquetas, pero sé que sirven para poco) de retro rock. La banda conserva el buen gusto de los 70, con claras referencias a los ritmos psicodélicos de The Doors o los inicios Pinkfloyderos (ya paro!).
Os dejo con Wucan. El videoclip en si, sigue la línea de muchos clips que estan saliendo ahora, rescatando material fílmico de archivos (me viene a la cabeza el de Familjen).
Si alguna vez habéis tenido ganas de meterle una buena hostia a Enrique Bunbury, el videoclip de presentación de su nuevo disco os va a dejar a gusto. El trabajo firmado por Cristian Pozo no es sólo para los fans del polifacético músico zaragozano, sino también todo un guiño para sus muchos detractores (entre los cuales no nos encontramos, que quede claro). El tema Hay muy poca gente es el primer single del disco Hellville de Luxe, que sale a la venta el próximo martes, 7 de octubre. Nada más y nada menos que cuatro años después de su anterior disco en solitario, el más que bueno El viaje a ninguna parte.
El videoclip pretende ser una sátira contra la violencia, pero utilizando la violencia más primaria, en el que Pozo ha aprovechado la vieja técnica del slow motionpara mostrar con detalle la dureza de todos los golpes, en unos impactantes primeros planos de Bunbury y sus músicos. También reciben algunas hostias otros personajes que representan a la sociedad actual, como políticos, ejecutivos, periodistas, paparazzi, amas de casa... que son golpeados con sus propias armas. Dicen que Bunbury recibió nueve de los 46 golpes que se ven en el videoclip, y que sólo Cristian Pozo se atravió a meterle, aunque el cantante estuvo a punte de revolverse. De hecho, no es el único vídeo de Pozo en el que la gente se toca la cara, puesto que es el autor del videoclip para Aproximación, del grupo Pereza. Hellville de Luxe ha sido producido por Phil Manzanera (exmiembro de Roxy Music y productor de Héroes del Silencio), y saldrá a la venta en tres formatos: un CD con 11 temas, un doble vinilo con 15 canciones, y una versió digital para iTunes con 12 temas. ¿Con cúal quedarse?
A veces uno lee cosas en Pitchfork o en Rockdelux y decide que esta gente no son dioses ni gurús, más bien unos snobs con suerte (venga, palos!). Entre mis lecturas en la red, encontré una gran crítica (y una entrevista) sobre el disco de debut de Lindstrom, y decidí buscarlo.
Bueno, no es oro todo lo que reluce. No digo de entrada que el disco sea malo. Digo que es algo que hubieran podido hacer Mike Oldfield y Jean Michel Jarre (me viene en mente Equinoxe y Cousteau, sin duda)cogiditos de la mano en un fin de semana de vino tinto en Ibiza. A Jarre, es que se le huele a muchos kilómetros. Esos sintes emulando sonidos vintage (Elkas y compañía) hacen que el disco se archive al lado de Tangerine Dream, y no al lado de Trentemoller. Aún así, le he descubierto utilidad, es música para volver del trabajo en coche.
El primer corte, que da nombre al disco (Where You Go I Go Too) es una pieza de desarRollo (28 minutejos) a partir de un paisaje electrónico. Se le agradece el crescendo del tema, pero hay motivos con los que uno no puede dormirse tanto. Lo sé, es electrónica. El segundo corte (de más corta duración - Grand Ideas, 10 minutos) funciona de la misma manera.
Tema aparte merece el tercer tema, y es el que más me gusta del disco. Tiene un motivo de guitarra que consigue que mueva la cabeza un rato. Pero me recuerda tanto al Platinum, y de ahí lo de Mike Oldfield. Entre esta canción, y el remix que le dedicaron Royksopp, este disco va a reflotarse por algun iluminado.
En resumen, y ahora me relajo, el disco es una pieza de electrónica interesante. Y punto. Las cosas cambian.
“Un tejido de canciones y narraciones”, así define Brian Wilson el That Lucky Old Sun.
El ex-lider de los casi perfectos Beach Boys define este disco como una especie de carta de amor desde el sur de California, donde desarrolla, una vez más, el concepto de álbum de viaje con el que empezó hace ya cuatro décadas.
El disco ha sido producido por Wilson y grabado con su banda en los estudios de Capitol en Hollywood, donde grabó por primera vez con The Beach Boys en 1962.
El pasado verano, Wilson se sorprendió a sí mismo cantando That Lucky Old Sun, un clásico tema de 1949 que se convirtió en la inspiración de su nuevo álbum de estudio. Compró la versión de Louis Armstrong de esta canción y se puso manos a la obra con las letras junto a su compañero de banda Scott Bennett y con Van Dyke Parks, su viejo colega. Wilson presentó este disco en el Royal Festival Hall de Londres en septiembre de 2007 en una serie de seis conciertos para celebrar la reapertura de este teatro.
Esta es una nueva oportunidad para entrar en la prodigiosa mente de este verdadero genio, el creador de algunos de los estribillos más perfectos y recordados de la historia de la música, ahora, That Lucky Old Sun añade un nuevo capítulo a las creaciones conceptuales de Wilson, que alcanzan su punto más alto con su vibrante y emocionante historia autobiográfica que narra a través de complejas armonías.
Sólo puedo decir que verle en directo fué una de las experiencias más enriquecedoras de mi vida, que ver que un hombre de su edad consiguiera que gente de todas las edades y prejuicios acabará bailando en el Escenario Verde del FIB lleno a rebosar, incluso subidos a las farolas o a los contenedores.
A los 14 años, cuando la mayoría de mi generación escuchaba Aqua, yo descubrí a Pink Floyd. Si, lo sé, es raro. Y más en los 90, con Nirvana, Oasis, Blur y demás correteando por ahí. Entre los discos de Pink Floyd, encontré el Wish You Were Here. Su primer tema (Shine On You Crazy Diamond) todavía me parece hoy genial. Y una de las cosas que más me fascina es su introducción de sintetizadores.
Por otro lado, en aquella época, encontré esta foto entre las cosas que guarda mi padre de Pink Floyd (afortunado él que pudo verlos en directo en Barcelona). Justamente, ésta es de un reportaje que dedicó la Vanguardia en uno de sus dominicales a la última visita que hicieron a España. Y la colgué de la pared de mi cuarto. También a los 14 años empecé a ensayar por ahí, y uno fantasea con tocar ante 40.000 o 50.000 personas.
Pues bién, el señor de la foto es Richard Wright, al que le debo la intro de Shine On, el piano simple y a la vez perturbador de High Hopes, o el increíble The Great Gig In The Sky (dejando la voz a un lado). Wright murió el dia 15 del mes pasado, y quería dedicarle un artículo. Almenos, pude verle (aunque por la tele) en el Live 8. Ah, por cierto, mañana cambio de tema, pero este era una cosa pendiente.
Algunos años antes de juntarse con Dolores Beltran y dar el pelotazo con Lola, la que iba sola por Barcelona buscando follón, los hermanos Pauet y Caïm Riba tuvieron una etapa fuertemente experimental. De esta época destaca el trabajo Trip Show Audio-Visual Tecno Simfònic, que la discográfica Picap editó en el año 1998, aunque consiguiendo una distribución muy limitada. El disco pone las bases de lo que luego será la Pastora que hoy conocemos, pero su propuesta es inevitablemente menos comercial y más centrada en la investigación, en la exploración de sonidos y en el aprovechamiento de las músicas de raíz mediterránea para la música electrónica. El dúo original se había formado después de colaborar con su padre Pau Riba en una serie de espectáculos que dieron lugar al disco Cosmossoma (1997). Aunque muchas veces ha sido catalogado como un disco de Chill Out o un trabajo instrumental, demostrando que quien lo hizo no lo había escuchado, Trip Show Audio-Visual Tecno Simfònic es una propuesta musical que va mucho más allá. Caïm Riba se ocupaba de lo musical (música tecno, guitarra eléctrica, samplers y voces), mientras que Pauet se dedicó a diseñar el grafismo y el apartado visual y digital del disco, como también hacía en los directos. Así pues, Trip Show Audio-Visual Tecno Simfònic incorpora una pista interactiva para lectores de CD-Rom, en que incluso puede verse a los miembros masculinos de Pastora enseñando sus miembros viriles en una actitud nudista.
El disco arranca con una introspectiva Maybe, casi de película de miedo, para pasar a una más luminosa Cadaqués. El tercer tema es Cordes, una composición con guitarra eléctrica que recuerda el rock estimulante y psicotrópico de Santana, que después va complicándose y acelerándose hasta convertirse en un gran tema techno. Después la cosa vuelve a calmarse y también a españolizarse con Noramac (Camarón al revés), que incluso tiene un quejío flamenco y un par de olés que dejan paso a una graciosa rumba gitana. Pero para no irse demasiado lejos de casa, Pastora colocan en la quinta pista el tema Mixeires, estrechamente relacionada con la tradición de la Nova Cançó, y en la que cuentan con la voz de su padre, el genial Pau Riba. Los aires rumberos vuelven con una versión electrónica de Bandolero cantada por Caïm, que hoy sin duda triunfaría en las fiestas chill más etílicas. El mar y los teclados son los protagonistas de Poppy, quizá uno de los temas menos originales del disco. En la misma línia acuática se encuentra Aïllats, aunque después evoluciona hacia sonidos cósmicos y étnicos, siendo un preludio perfecto para el noveno tema del disco, el magnífico Formentera que Pastora interpreta al lado de Gerard Quintana, que no sólo puso la voz, sino también la letra. Sólo por este tema ya vale la pena tener Trip Show Audio-Visual Tecno Simfònic, que aún guarda cuatro canciones más para el final: Misteri, Ecos, Esperança (un optimista tema techno con las voces de Nacho Tarrés, Oriol Farré y Roger Farré, tres de los componentes del grupo Gossos) i por último Somnis.
Este es un artículo corto y de denuncia hacia Radiohead. Quien me conozca o siga el Last.FM sabrá de mi predilección por los ingleses. Punto dos : todo quien componga / escriba música sabrá que las canciones evolucionan, en contra de la idea que vende cualquier álbum con el que las canciones quedan fijas cuando se graban en un soporte (CD, vinilo o laserdisc estéreo).
Al caso. La canción que me perturba hoy es Videotape. Es una canción preciosa, una despedida desde el otro lado, a la manera de los británicos (yo diria que de Yorke, pero eso ya es personal). Incluida en el In Rainbows, cierra el disco. Pero la canción viene de 2006. Se estrenó en un concierto en Toronto, si no voy equivocado. Pues bien, lamento profusamente que no se grabara esa versión. Hay otras canciones de Radiohead / Thom Yorke que necesitan de esa calma (Pyramid Song, por ejemplo). Pero con lo bién que funcionaba...
Os dejo primero con la versión final :
Y ahora la versión de 2006 (para mi, mucho más emocionante y potente) :
Estos chicos van a pedazo de videoclip por single. Después del extraordinario vídeo para el tema The Age of the Understatement, dirigido por Romain Gavras, en el que el hijo del realizador Costa-Gavras no dudó al meternos una patinadora sobre hielo, los edificios de Moscú, sacerdotes ortodoxos, los tanques avanzando sobre la nieve y un coro de soldados rusos, ahora nos ha llegado el clip para Standing Next to Me. La caracterización sesentera de Alex Turner (Artic Monkeys) y Miles Kane (The Rascals) nos recuerda la estética The Beatles y The Animals, pero sin duda lo mejor del videoclip son los movimientos de cámara y los juegos de luces, que nos acercan, nos alejan y nos esconden a los dos cantantes. El vídeo es un bello y calculado plano secuencia, con un ballet pop de chicas incluído, que también nos muestra las bambalinas de la realización del videoclip, ya que incluso vemos uno de los monitores y a uno de los cámaras. Estos dos rockeros efervescentes, con su nueva propuesta cargada de dramatismo, no necesitan más de dos minutos con veinte segundos para cuadrar una gran canción. El videoclip de Standing Next to Me está firmado por el realizador inglés Richard Ayoade, que ya había dirigido el clip del tema Fluorescent Adolescent, de los Artic Monkeys, el otro proyecto musical de Tuner.
En esteenlacetenéis la misma canción en su versión acústica.
